P·U·L·S·E

P·U·L·S·E

Para esta entrada acerca de la publicidad, he escogido esta carátula del décimo álbum de Pink Floyd llamado PULSE.
En primer lugar la he escogido porque Pink Floyd es uno de mis cantantes favoritos, pero además, no  cabe duda de que sus albums son verdaderas obras de arte, joyas únicas que no refieren a la música solo si no a todo un concepto: el de cada disco.
Escogí este disco puesto que seguramente sea el que más me conmueva al observarlo, es de ese tipo de imágenes que no te basta con mirarlo una vez, si no que en cada esquina de la imagen hay detalles que merecen la pena observar. Igual estoy equivocada, pero ahora que he estudiado a grandes pintores, me recuerda un poco al Bosco o a Dalí, con ese afán por representar mundos imaginarios.
en palabras de thorgueson, el diseñador de los albums de Pink Floyd :

"Pienso que vino de dos particulares razones, una de ellas fue que era un álbum en vivo. Busqué que el empaque esté vivo, entonces hicimos una lista de cosas que incluía bolas y laberintos. Teníamos algo para que hiciera ruido cuando se abra, algo que rechine, que se huela, otros que se pueda ver en la oscuridad".Hay dos formas de verlo: puede ser visto como un disco que te 'hablará' durante mucho tiempo, o simplemente es el tipo de disco que nunca tendrás problema para encontrar en la oscuridad. Por otro lado, la edición de colección del álbum en vivo P.U.L.S.E. es considerada como una buena combinación entre el desafío a la ingeniería y el atractivo para el consumidor, ya que en su costado incluye un pequeño led centelleante que falsea con la ayuda de dos baterías que pueden ser reemplazadas fácilmente. Se barajaron cinco rutas diferentes para la portada de "Pulse" y al final se eligió la imagen del ojo, que representa un ciclo, el ciclo de la vida puede ser"

EL TEATRO, EL ARTE EN SU FORMA MÁS OLVIDADA

EL TEATRO, EL ARTE EN SU FORMA MAS OLVIDADA

 Os presento la escenografía de la obra de teatro de Shakespeare llamada " Hamlet". si, así de simple fue todo, así de efímero.
He escogido esta fotografía tomada por mi durante un ensayo de la obra que representé el año pasado con mi escuela de teatro porque sin duda, el teatro forma una parte de mi tan imprescindible como el aire.
 También la he escogido para aprovechar la ocasión de denunciar el crimen que se está cometiendo hoy en día contra el teatro y el cine en nuestro país, con unos precios tan elevados,acarreando unos impuestos elevadísimos para lo que representan en la educación y con tan pocas subvenciones, como pretenden que el pueblo español pueda interesarse por ir al cine o a las salas de teatro? luego para ver un partido de fútbol lo tienes tan sencillo como encender la televisión a cualquier hora del día. En fin, ojalá algún día abran esos ojos hundidos en el capitalismo, pero ahora no hemos de andarnos por las ramas...como decía, el teatro tiene una magia que envuelve, y creo que cuando hice esta foto pude captar esa esencia, fue un momento en el que estaban probando las luces, y la imagen del teatro vacía, con esa luz de contra y esa bandera danesa tan imponente, hizo que todavía al verla se me erice la piel. Creo que una de las sensaciones más bonitas en la vida es cuando te das cuenta de que sientes verdadera pasión por algo, le deseo a todo el mundo que alguna vez en su vida le ocurra, como me ocurrió a mi.

L'islandès que es va enamorar de Catalunya

Paraules d'amor-Words of love. Halldor Mar

Halldor Mar va naixer a Islandia. Des de xicotet va voler ser músic. Quan li va tocar escogir instrument, ell va preferir la guitarra. Aquesta el·lecció va fer que al 1986 haguera de trasladar-se a Barcelona a perfeccionar la seva tècnica amb aquest instrument, i ja no es va moure. Ha aconseguit un gran nivell que li ha portat a colaborar amb grans mestres i també a fer els seus propis discos, però estic fent l'article pel seu últim àlbum: Winds.
Winds es un disc en el qual es versionen deu clàssics de la anomenada Nova Cançò, però traduïts a l'anglès, i amb un marcat ritme pop. Al disc podem trobar temes com Al vent de Raimon (Wind); Qualsevol nit pot sortir el sol, de Jaume Sisa  (The sun will rise); Noia de Porcelana de Pau Riba (Porcelain Girl) o la meua preferida, Paraules d'amor de Serrat (Words of Love).
Jo ho recomane. Un petit homenatge a les llengues cooficials i al prulilingüisme. Espero no haver destrossat molt el nostre altre idioma. Per la meua part, res més a diure. Us deixe una entrevista, sense cap dubte, el seu català-valencià es molt millor que el meu.

Entrevista a Halldor Mar

Como sé que en clase hay mucha gente de fuera de Valencia, dejo la traducción:

"Halldor Mar nació en Islandia. Desde pequeño quiso ser músico. Cuando le tocó escoger instrumento, él prefirió la guitarra. Esta elección hizo que en 1986 tuviera que trasladarse a Barcelona a perfeccionar su técnica con este instrumento, y ya no se movió. Ha conseguido un gran nivel que le ha llevado a colaborar con grandes maestros y también a hacer sus propios discos, pero estoy haciendo el artículo por su último álbum: Winds.
Winds es un disco en el que se versionan diez clásicos de la llamada Nova Cançò, pero traducidos al inglés, y con un marcado ritmo pop. En el disco podemos encontrar temas como Al vent de Raimon (Wind); Qualsevol nit pot sortir el sol, de Jaume Sisa  (The sun will rise); Noia de Porcelana de Pau Riba (Porcelain Girl) o mi preferida, Paraules d'amor de Serrat (Words of Love).
Yo lo recomiendo. Un pequeño homenaje a las lenguas cooficiales y al prulilingüismo. Espero no haber destrozado mucho nuestro otro idioma. Por mi parte, nada más que decir. Os dejo una entrevista, sin lugar a dudas, su catalán-valenciano es mucho mejor que el mío."

También os dejo la canción original de Serrat, para que la disfrutéis:

Paraules d'amor-Serrat. Con subtítulos en castellano.


lookingforMacondo

Una sensación de libertad absoluta (foto propia)

Esta foto fue tomada por mi madre cuando fuimos de vacaciones a Costa Rica. La acción como se puede ver trata de un desplazamiento sujeto a un cable de acero, esta actividad se llama canopy. Fue una experiencia inolvidable ya que se trataba de deslizarse por el cable colgando a más de 200 metros de altura. La sensación de libertad que daba el sobrevolar la selva de costa rica a esa altura fue una emoción irremplazable.

 Mientras estaba ahí arriba no cerré ni un momento los ojos, pues no quería perderme ningún momento del recorrido. Un inconveniente que tuvo el trayecto es que se puso a llover y el viento azotaba más fuerte que al comienzo. Esto hacia que el cable se tambalease y me preocupa durante un rato, pero de una manera increíble deja de llover durante el otro tramo con lo que noté lo largo que era el cable pero sin embargo lo rápido que se cruzaba.

Como podemos ver en la foto esta actividad se encuentra entre montañas en plena selva costarricense por lo que nunca se podía ver realmente el final ya que se metía entre las plantas y árboles del lugar y desparecía. Esto daba una sensación de que te ibas a chocar cuando llegabas al final, pero era entonces cuando te frenaban.

La foto fue tomada cuando llegué a la segunda plataforma, y se puede observar mi cara con la expresión de gran felicidad. Elegí esta foto por la experiencia tan buena que me hizo pasar y porque me parece una estampa espectacular el estar ‘’volando’’ entre los arboles con el vacío detrás de mí.

Me dijeron que volviese en dos años porque abrirían un nuevo cable de 3 km de largo y 300 m de altura. Una experiencia que recomiendo y que volveré para vivirlo por mí mismo.

Dredkas

De Rubens a Van Dyck (exposición mubag Alicante)

La semana pasada visité una exposición sobre obras de los autores holandeses de la escuela flamenca en el Mubag de Alicante. La exposición se titulaba de Rubens a Van Dyck, y es una colección de obras de arte que pertenecía a Gerstenmaier.

                                                              

La exposición se distribuía en tres salas, la primera había expuestas obras hechas con la técnica de grabado. Eran varios retratos de persona de aquella época y además había una serie de obra sobre mitología y alegorías realizadas por el artista Hendrick Goltzius. La siguiente sala contigua a la siguiente encontrábamos ya cuadros más del tema religioso donde aparecían repetidas veces la virgen con el niño y la crucifixión de cristo, como por ejemplo la obra de Adrien Thomas Keys- Calvario. Había otro cuadro por ejemplo que ilustraba la imagen de los tres reyes magos obsequiando al niño Jesús con sus regalos.

En la última sala pero más extensa y que las otras se exponían obra más de género paisaje, naturaleza muerta y alegoría. En esta sala en sus extremos se situaban en cada uno un cuadro de gran formato con dimensiones como por ejemplo la obra de Adrian Gryef , paraíso terrenal de 270cm x 190 cm.

En la parte oeste de la sala se reunían todo lo que eran cuadro de género de bodegón y pequeños tondos de la virgen hechos con una gran minuciosidad que sorprendía al observarla de cerca. Mientras en la zona este se agrupaban las primeras obras que de la historia que comenzaban a poner en vigor el paisaje frente a la escena que se representaba.

Esta exposición me atrajo desde un principio por la minuciosidad y realismo con la que teóricamente sabía que trabajaban los artistas de esta escuela, además de ver con mis propios ojos el efecto del óleo en las texturas. Y realmente fue una gran experiencia el observar detenidamente cada uno de los detalles que aquellas grandes obras escondían. La obra que más me llamó la atención fue la obra de Gaspar Verbruggen, jarrón de jardín con flores.

Pues aun siendo un simple bodegón, el color, la textura que daba el óleo, y la minuciosidad de la pincelada y con ayuda del escorzo le daba un increíble efecto de profundidad y volumen que invitaba a palpar el lienzo.  En la pincelada se podía percibir la suavidad de los pétalos de las flores e incluso las gotas de aguas parecía dejadas caer sobre el cuadro de verdad. Además el característico claro-oscuro de estos pintores le daba un dramatismo impresionante.

Para mi gusto la exposición era pequeña pero sin embargo, debido a la cantidad de detalles que tenían los cuadros hacían que gastases mucho tiempo observándolos, por lo que no se hizo pesada ni monótona ya que la progresión de la exposición iba cambiando los géneros. Fue una exposición interesante para visitar pero sin embargo no de mis preferidas.

Dredkas 

La Niebla

Julio de 2012,  Golden Gate,  San Francisco.

San Francisco me pareció una ciudad muy peculiar. Durante los días que estuve, en verano, me llamó la atención una serie de cosas, pero la que más, el tiempo. Fue algo chocante, como amanecía todo nublado y con bajas temperaturas pero en un par de horas te encontrabas ante un sol radiante y una temperatura de 25 grados. Pero lo más llamativo de todo fue sin duda la niebla. 

Ese día amaneció frío y nublado pero en vez de despejarse, a las 11 de la mañana, una niebla densa comenzó a descender de una de las colinas de la ciudad. Fue un espectáculo asombroso e inquietante a la vez, viendo como la niebla iba engullendo lenta pero constante todo a su paso, hasta llegar al Golden Gate, donde me encontraba.

Esta foto la tomé desde el Golden State Park, antes de cruzar el puente. Recuerdo comenzar a cruzar el puente y ver como compañeros que iban más adelantados desaparecían en la niebla, hasta llegar un punto en el que ni yo mismo sabía a qué altura del puente estaba.

Fue inevitable que me viniera a la cabeza la película de La niebla, de Frank Darabont, una adaptación de la novela de Stephen King, ya que la escena que estaba presenciando parecía sacada de esa película, para mi mayor “tranquilidad”. Se trata de una película de terror e intriga que no disfruté viendo, ya que no soy dado a ese género de cine, por lo que el espectáculo que estaba teniendo lugar ante mis ojos me causaba sensaciones contradictorias. Por un lado, me parecía algo muy bello, pero al mismo tiempo, me causaba escalofríos al recordar la película.

¿Por qué esta foto y no otra? Porque me resulta atractiva, a la vez que inquietante. Da la sensación que la niebla se traga todo a su paso, coches, peatones, casas, todo. Esta sensación se refuerza al ver como el puente, de unas dimensiones colosales va desapareciendo poco a poco. Esta percepción de la belleza me recuerda al modo que tienen autores como Turner de buscar la belleza, a través de lo "sublime" como planteamiento estético.

qoc95

"Wish you were here"

Pink Floyd, una de las mejores bandas de la historia del rock, y más influyente, realizó hasta 15 álbumes de estudio. La banda además, era muy conocida por las portadas de sus discos, y en una época en la que los medios de propagación no eran tan efectivos y rápidos como lo son ahora, las carátulas de éstos eran el mejor medio para expresar los sentimientos y las opiniones que tenían. Tal vez el mejor de ellos, junto a "The Dark Side of the Moon", sea "Wish you were here".

Para situarnos, el disco salió a la venta en 1975, en el pico más alto de popularidad de la banda, y como no podía ser de otra manera, tanto las canciones como la carátula debían de estar a la altura... y lo estuvieron, ya que el diseño terminó por hacer historia. Por otra parte, cabe destacar que toda fama y popularidad, lleva consigo la ausencia hacia lo genuino y, en cierto punto hacia el compromiso.

En esta impactante portada, en la que vemos a dos hombres de negocios estrechándose la mano, observamos como uno de ellos está envuelto en llamas. Interpretaciones diversas han habido, ya que la ausencia de seres queridos y de lugares conocidos vienen ligados a la fama que por aquel entonces pasaba Pink Floyd. Esta sería la justificación "oficial", mientras que lo que a mí me transmite la imagen, es completamente distinto.

Bajo mi punto de vista, la carátula es un claro reflejo de lo que son los negocios en la realidad: mera formalidad, en los que el único objetivo es sacar beneficio a costa del otro. El hombre que no se está quemando, el de la izquierda, vemos como estrecha fuertemente la mano al de la derecha. Transmite una cordialidad y una tranquilidad que es completamente imposible en una situación así. Por último, la imagen es un claro retrato del grado egocentrismo al que pueden llegar las personas, pensando única y exclusivamente en el beneficio propio.

Sigamos reflexionando.

Mr Fahrenheit.

¿Qué tipo de arquitecto quieres ser?

Hay algo que siempre me ha preocupado,  nuestra capacidad de destrucción. Estamos destruyendo el planeta, y no sólo eso, sino todo lo que contiene, incluido nosotros. A nivel social, vivimos en una sociedad muy injusta con enormes desigualdades.  Pues bien, siempre he creído que por nuestro bien y futuro, se debe hacer algo y cada persona debe aportar algo, y no dejarlo en manos de otras personas. Sin embargo,  ¿cómo hacerlo? Los médicos salvan vidas; biólogos, químicos, físicos buscan y aportan soluciones para el calentamiento global pero… ¿Qué hace un arquitecto? Esta pregunta me la hice al poco de comenzar la carrera y sinceramente, me dejo bastante intranquilo. Siempre he querido ser arquitecto, pero desgraciadamente, lejos de ver como los arquitectos ayudaban a mejorar nuestra sociedad y mundo, he visto como en muchos casos contribuían a la desaparición de lugares verdes y costas para crear un mundo de hormigón.

 Siempre he preferido un paisaje natural, con poca o ninguna intervención del  hombre que una ciudad llena de edificios, y siempre me ha entristecido ver como lugares donde solía ir a pasear entre la naturaleza ahora son solares a la espera de 20 pisos de hormigón. A esto hay que añadirle que jamás se me hubiera ocurrido como un arquitecto puede salvar vidas y ayudar a los más desfavorecidos.  Sin embargo, ahí estaba, en primero de arquitectura, ¿irónico no? Estudiar algo que te gusta pero pensando que la tarea que realizaré en un futuro contribuirá a todo aquello que rechazo.

Afortunadamente, en estos dos años, no sólo he adquirido conocimientos útiles para desempeñar la profesión de arquitecto, sino que la visión tan desalentadora que tenía del arquitecto en la sociedad ha ido cambiando. He comprendido que, si bien es verdad que no ha venido siendo lo más habitual, el arquitecto puede aportar mucho a estos principios o valores  que defiendo.

Os traigo pues, tras esta no tan breve reflexión, ejemplos de arquitectos y arquitectura que ayudan a construir un futuro mejor.

"Catedral de Cartón", Nueva Zelanda

 Sin ir más lejos, el último Pritzer, Shigeru Ban, un arquitecto cuya labor humanitaria es esencial así como su innovador uso de los materiales.

"Shigeru Ban es un arquitecto incansable cuya obra exhuda optimismo. Donde otros pueden percibir retos casi imposibles de superar, Shigeru Ban ve una invitación a la acción. Donde otros pueden preferir tomar un camino ya probado, él ve la oportunidad de innovar. Es además un profesor comprometido que no sólo representa un modelo a seguir para la generación más joven, sino también una fuente de inspiración". - Jurado Pritzker 2014

Estas fueron las últimas palabras del jurado del prestigioso premio Pritzker, aunque considero que se define mejor al arquitecto en este párrafo:

Casa con estructura de papel, Kobe, Japón

“Su enfoque e innovación creativa, sobre todo en relación con los materiales y estructuras,  están

presentes en todas sus obras. A través de un diseño de excelencia, en respuesta a problemas apremiantes, Shigeru Ban ha ampliado el rol de la profesión; ha generado un espacio para que los arquitectos participen en el diálogo con los gobiernos y los organismos públicos, los filántropos y las comunidades afectadas. Su sentido de la responsabilidad y la acción positiva para crear una arquitectura de calidad capaz de atender las necesidades de la sociedad, junto con una singular mirada hacia los desafíos humanitarios, hacen del ganador de este año, un profesional ejemplar.” –Jurado Prtizker 2014

Casa con estructura de papel, en Filipinas

Muy acertado según mi opinión, es un arquitecto que ha sabido alternar los proyectos de carácter privado con labores humanitarias, aplicando sus estructuras alternativas tanto en proyectos humanitarios como en el resto. Decir, por último, que dichas estructuras están hechas con materiales fácilmente reciclables. Es un ejemplo a seguir para todos aquellos que estudiamos arquitectura y tenemos esa inquietud social.

Embajada de Brasil en Tokio

Frank Lloyd Right

Por otro lado, la preocupación por nuestro planeta y paisajes naturales no es reciente. Arquitectos como Frank Lloyd Right o Alvar Aalto ya se plantearon en su época (década de los 30-40) lo que definieron como arquitectura orgánica, la cual promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada. Se trata de un primer paso a una convivencia entre hombre y naturaleza que al fin y al cabo, es lo lógico aunque no lo normal.

Casa la cascada, de Wright

 Esta filosofía arquitectónica ha ido evolucionando, añadiendo los progresos y avances tecnológicos a favor   de un mayor confort y un menor impacto medioambiental, lo que se conoce como arquitectura ecológica, sostenible, verde, como se quiera llamar, que combinan la integración paisajística con una serie de mejoras a nivel energético. Se trata de edificios dónde todo se toma en cuenta: el sitio donde se va a construir, el diseño, los materiales de construcción, las fuentes de energía y su eficiencia, mantenimiento y demolición. Todo con la idea de que el impacto en la naturaleza sea neutro o incluso positivo.

Casa E+ Green

Oficinas de la Federación Coreana de Industrias

Retomando la pregunta que me he hecho antes: ¿Qué hace un arquitecto?  Estos ejemplos, o más bien “pruebas” no son el objetivo de esta entrada, sino que  sirven para demostrar que el arquitecto, como cualquier otra profesión puede colaborar y aportar su grano de arena. Con esta entrada buscaba abrir los ojos a aquellos que tienen inquietudes similares a las mías, y demostrar que siempre hay algo que se pueda hacer, solo hace falta un motivo e ingenio.  Estos ejemplos no son las únicas labores llevadas a cabo por los arquitectos para mejorar el mundo, y estoy seguro de que aún queda mucho por inventar e innovar en el campo de la arquitectura, de hecho,  probablemente sea a nuestra generación la que le toque llevar estos despuntes a un nivel más alto y que se conviertan en una realidad.

Os dejo algunas páginas web relacionadas con Shigeru Ban, entre los cuales figuran los de su página oficial como la de su organización humanitaria:

http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-346319/shigeru-ban-recibe-el-premio-pritzker-2014

http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-346388/la-obra-social-y-caritativa-del-premio-pritzker-2014-shigeru-ban

https://www.facebook.com/VoluntaryArchitectsNetwork/timeline?ref=page_internal

http://www.shigerubanarchitects.com/works.html

En cuanto a la arquitectura orgánica y sostenible, se puede encontrar información en las siguientes webs, tanto general como de proyectos que se están llevando a cabo en la actualidad:

http://www.zenarchitects.com/

http://laarquitecturaorganica.blogspot.com.es/

http://www.arquitecturasostenible.org/

http://www.anas-sostenible.com/

http://www.ecointeligencia.com/

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Herederas de las Majas de Goya

 

El pasado sábado tuve la oportunidad de visitar una exposición, que se encuentra en el Centro Cultural Bancaja (Plaza de Tetuán), titulada "Herederas de las Majas de Goya". Dicha exposición cuenta con una selección de cincuenta obras de artistas españoles, desde finales del siglo XIX a principios del XX, en las que la figura femenina es la protagonista. La muestra tiene como objetivo explorar la influencia de uno de los desnudos más famosos del arte español, como son La maja desnuda y La maja vestida, pintadas por Francisco de Goya a principios del siglo XIX. Esta influencia vino dada en la pintura de la época, y que se considera el embrión de nuestra sociedad actual, una sociedad que descubrió una manera distinta de entender y de hacer el arte.

Para comprender la exposición, hay que tener en cuenta algunos aspectos de las "majas". Por un lado, hay que decir que parece que fueron hechas para el deleite de Manuel Godoy, entre el 1795 y el 1807. Además, cabe decir que a principios del siglo XX fueron una bandera para defender el desnudo como sinónimo de verdad y libertad. Por otro lado, hay que destacar que las "majas" forman parte de un grupo de modelos entre los que destacan las venus de Giorgione y Tiziano, "La Venus del espejo" de Velázquez y la "Olimpia" de Manet.

La exposición se divide en seis bloques bien diferenciados según la postura de las protagonistas. El primer grupo de obras muestra a las mujeres acostadas de frente, como las nereidas, venus y majas. En el segundo grupo, encontramos a mujeres con las rodillas recogidas, siguiendo el modelo de "La noche" de Miguel Ángel y la "Dánae" de Tiziano. En el tercer bloque las protagonistas se encuentran de espaldas, como la Venus del espejo de Velázquez; mientras que en el cuarto apartado muestra a mujeres desfallecidas, enfermas o difuntas. En este bloque se ofrece una visión realmente frágil de la feminidad. En el quinto bloque, se ofrece al visitante un grupo de obras dedicadas al varón, en las que se puede observar como estas mujeres pintadas competían con hombres de todo tipo. Aquí, hay análisis conjunto de la representación pictórica de la mujer y del hombre en la misma época. En el último apartado, se recogen ocho grabados de la "Suite Vollard" de Pablo Picasso, en los que figuras femeninas y masculinas aparecen tumbadas y desnudas.

En cuanto a la manera en la que se encuentra expuesta "Herederas de las Majas de Goya", cabe decir que se divide en dos salas de mayor tamaño, ambas unidas con un pequeño pasillo en el que también se ofrecen obras. En la primera sala, es donde se encuentran los lienzos de mayor tamaño, mientras que en la segunda, los encontramos de todo tipo. Además, cabe decir que ésta última tiene una forma de "o", favoreciendo un recorrido circular que indica de forma clara el itinerario a seguir. La iluminación, en general, es baja, concentrando los focos de luz hacia las distintas pinturas, creando así un espacio agradable en el que contemplar las obras.

Personalmente, me llevo una gran experiencia tras la visita a dicha exposición. He recordado, de manera muy directa, numerosas obras que hemos mencionado en clase. Además, es una manera ideal de repasar un género muy importante e interesante, como es el desnudo en el arte español. Sin duda, es una visita que recomendaría; tenéis hasta el 11 de enero de 2015 para contemplarla.

 

Mr Fahrenheit.

Un guiño a la ETSAV

Hoy voy a hablar de dos pequeñas exposiciones, que apenas ocupan unos metros cuadrados pero que realmente recomiendo. Estoy hablando de todas las que podemos disfrutar en nuestra universidad, tanto en la sala de exposiciones como el los pasillos o en los halls, organizadas por profesores y alumnos, pero concretamente de dos que he visto últimamente.

Concurso playhouse

La primera de ellas sería la del “concurso playhouse”, expuesta en el hall de las columnas, presentada por el departamento de proyectos. Esta exposición muestra los trabajos y maquetas de los alumnos presentados al concurso, que consistía en hacer una pieza en la que jueguen los niños.

Cada propuesta llevaba una maqueta y dos DIN A2 (o una superficie equivalente), con sus renders, esquemas, memoria, etc.., que, en mi opinión, merece la pena ver.

La exposición se organiza colocando las maquetas sobre las mesas situadas todas ellas juntas, y los paneles en las dos paredes que hacen esquina alrededor de las mesas.

Exposición AJAP

La segunda es la que más me gustó de las dos. Son, tal cual sus siglas, Álbumes de los Jóvenes Arquitectos y Paisajistas franceses. Estos álbumes son en realidad grandes paneles negros con letras blancas e imágenes, en los que se trata a un estudio por panel, con tres proyectos cada uno. El panel se divide en vertical en cuatro partes. La primera, fucsia con letras negras, introduce a los arquitectos. Las otras tres tratan cada una un proyecto. Los paneles se cuelgan del techo del pasillo norte de la ETSA, de tal manera que tenga forma de S. Se utilizan las dos caras del panel, y no tocan el suelo, por lo que ves los pies de aquél que esté observando la otra cara.

Habían proyectos realmente curiosos, otros muy bonitos, con formas dispares. En cualquier caso, todos ellos inspiradores. A mí me gustó particularmente un proyecto llamado Restanque habitée, del estudio Pan architecture. Es una casa situada en lo que era un bancal de cultivo(“restanque” es una palabra francesa que hace referencia al muro de piedra seca se sujeta los bancales) y que con hormigón, piedra y madera se integra perfectamente con el paisaje y además disfruta de vistas al paisaje.

Estos son dos ejemplos, pero hay muchas exposiciones más y muy interesantes. También tenemos una maqueta enorme de L'Espai Verd. El año pasado pude disfrutar de los mejores PFCs o de una exposición sobre Campos Baeza. También hicieron una exterior sobre arquitectura a coste 0, que se desarrollaba alrededor de la escuela, consistente en realizar piezas formalmente divertidas y curiosas con elementos que se iban a tirar como sillas viejas, balizas de paja, etc.. Estamos en una escuela ampliamente cultural y no hay que desaprovechar las oportunidades que nos brindan con charlas, exposiciones y otras actividades. Eso sí, hay que estar al loro, que duran poco. Echarles un vistazo y ya me comentáis qué tal.

lookingforMacondo

JAZZMATAZZ

Algo diferente.  A la hora de innovar, de crear, de producir arte, la música no se queda corta.

Os traigo algo que no es nuevo, no es reciente, pero que en cambio no es lo común.

A la cultura afroamericana le debemos géneros como el jazz, el soul, el hip-hop, entre otros. Si bien es verdad que actualmente, el hip hop es visto como un tipo de música machista, que incita a la violencia, no siempre es así. 

Jazzmatazz es una serie de discos que consolidó algo que otros como Cargo, una banda de jazz fusión, empezaron: fusionar el jazz con el hip-hop.

Guru

Jazzmatazz, creado por el músico Guru, es una serie de discos en los que se combina una banda de jazz en vivo con producción y rimas de hip hop. Muchas de sus letras hacen referencia a problemas de carácter político, social, muy vinculados con la situación de los afroamericanos en la sociedad, de temática afrocentrista en algunos casos. También reivindica que el hip-hop es una cultura y no un comercio.

La instrumentación corre a cargo de una banda que incluye a Lonnie Liston Smith, Branford Marsalis, Ronny Jordan, Donald Byrd y Roy Ayers, todos ellos reconocidos músicos en el mundo del jazz.

En su primer disco, Jazzmatazz Vol.1 cuenta con colaboraciones de artistas como N'Dea Davenport y el rapero francés MC Solaar. Se trata de una mezcla no sólo de estilos musicales sino de culturas. Se buscaba algo novedoso que tuviera su eco, que no pasara desapercibido, lo mejor de cada estilo combinado con el afán de llevar el hip-hop a un nuevo nivel, con un claro guiño al pasado.

Guru y Donald Byrd en el video de Loungin´

Os dejo un video de Youtube con el primer álbum, os aconsejo que escuchéis los primeros minutos, no por la música en sí, sino porque Guru realiza una breve introducción de lo que él considera Jazzmatazz, y quien mejor que él, que lo ha creado, para explicarlo.

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El oasis desconocido

 Esta fotografía no viene de un sentimiento especial o porque sea particularmente buena. Esta foto la comento para destacar un hecho que me disgusta particularmente de nuestra ciudad: el Jardín Botánico. 

En mi opinión, es genial tener este parque de exótica belleza en mitad de la ciudad, muy cerquita del centro. Este jardín, oasis valenciano entre el río y la Calle Quart, con una entrada de apenas tres euros, o incluso menos si te lo montas bien, es uno de los grandes desconocidos de esta Valencia incapaz de ver más allá de la Ciudad de las Artes, las Fallas o la paella.

Sus orígenes podrían remontarse a 1499, cuando se trataba más de un lugar dedicado a las plantas medicinales, aunque oficialmente no se convirtió en jardín botánico hasta 1802. Su gran atractivo es su gran colección de palmeras adultas, una de las mayores de Europa. Además, cuenta con varios invernaderos y el herbario de la universidad, con más de 200.000 especies. El jardín tal como hoy lo conocemos es una reforma que finalizó en el año 2000. En este momento el Jardín Botánico de la Universidad constituye un espacio científico y docente, vegetal, arquitectónico e histórico, y además caracterizador del paisaje urbano.

Cuando yo he estado ahí, lo que más me ha sorprendido además de su belleza ha sido el silencio, la tranquilidad que se crea en un espacio urbano como el suyo, y por eso he elegido esta foto de entre las que tengo de él, pues se ve el jardín pero también la ciudad al fondo. En cierto modo representa este aislamiento, lo que muestra el tesoro que tenemos en este espacio urbano.

Sinceramente, lo recomiendo.

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Calvin Seibert: Sand Castles

Todo en el arte, en mayor o menor medida,  es de carácter temporal (monumentos, pinturas, edificios,...) Hay obras que perduran durante siglos, dejando las habilidades del artista a la vista; en cambio, hay otras que tienen un carácter efímero, casi testimonial. El tiempo que quedan expuestas las diferentes obras de arte no ha de ser proporcional a la calidad de las mismas. Es el caso de los castillos de arena, los cuales, con suerte, tienen más de un día de vida.

Un artista conocido por su aportación a esta rama del arte es Calvin Seibert. Según el mismo ha confesado, le fascina el hecho de poder construir cosas allá donde va, y que mejor material, en cuanto a lo económico, que la arena. Lo que hace diferente este artista al resto, es que en sus castillos aparecen bocetos de arquitectos contemporáneos, como Aldo Rossi o Frank Gehry. Seibert va más allá de lo superficial, para él es fundamental entender el edificio y conocerlo. Otro aspecto que él mismo ha confesado, es que las apariencias de sus castillos viene dada por el peso, así como por las características de la arena.

 

Debido a los artistas en los que se ha influido, los castillos de arena de Calvin Seibert recuerdan al cubismo. En la mayoría de sus obras, observamos una clara simplificación formal, lo que hace a este artista diferente en relación a otros que también trabajan con la arena.

 

 

Más información sobre Calvin Seibert: http://www.thisiscolossal.com/2014/02/new-geometric-sandcastles-from-calvin-siebert/

Mr Fahrenheit.

Ángeles y Demonios

A lo largo de este curso, y tras todas las obras que hemos visto, no he podido evitar acordarme de uno de los mejores libros que he leído en mi vida: "Ángeles y demonios". Se trata de una novela de intriga, misterio y acción que se desarrolla prácticamente en su totalidad en Roma. A su vez, cuenta con una película, titulada del mismo modo, estrenada en 2009. Tom Hanks fue el encargado de dar vida al profesor Robert Langdon, al igual que hiciera en El Código Da Vinci (ambas historias comparten el mismo protagonista). Tanto en el libro como en la película, se mencionan numerosas obras de gran valor que se encuentran en la capital italiana, y que, como es natural, hemos estudiado este año en clase.

La historia comienza cuando el profesor Langdon se ve envuelto en una investigación para impedir que los Illuminati destruyan el Vaticano con una nueva arma creada. Para impedirlo, el profesor de Harvard sigue la pista a un asesino que siempre le lleva la delantera. Para impedir que el villano consiga su objetivo, comienza a estudiar unos misteriosos ambigramas, que lo llevarán a numerosos lugares de gran valor arquitectónico y artístico de Roma. Estos lugares se pueden observar en la película, y como es natural, también se mencionan en el libro de Dan Brown.

Durante uno de los momentos de la historia, la investigación lleva al profesor a la capilla Chigui, de Santa María del Popolo . En ésta, se puede admirar "Habbakuk y el Ángel", de Bernini; así como la "Crucifixión de San Pedro", de Caravaggio. En otro instante, los acontecimientos llevan al protagonista a la Plaza de San Pedro, así como a la capilla Cornaro, de Santa María della Vittoria. Aquí, la novela hace especial mención al "Éxtasis de Santa Teresa", también de Bernini.

En definitiva, se trata de una novela que repasa una pequeña parte del arte que podemos encontrar en Roma, combinando un grado de intriga y acción que hace del libro una gran obra. Recomendaría sin duda, tanto el libro como la película, a cualquier persona; aunque más si cabe si está estudiando historia del arte.

Mr Fahrenheit.

3D Street Art

 El arte que hoy vengo a comentar se trata de una técnica impresionante que trata de engañar al espectador y provocarle una sensación de impresión, sorpresa e incluso vértigo. Este arte se denomina 3D street art y se encuentra en entornos urbanos donde los artistas utilizan como lienzo la acera peatonal. 

Mientras vas caminando en la lejanía simplemente se ve como una mancha que indica un cambio de color o en el tipo de pavimento, y no desde todas las posiciones transmite la obra la emoción a la que está destinada, es necesario posicionarse en un punto estratégico de tal forma que la perspectiva te engañe y creas que hay algo más allá de un simple pavimento de hormigón.

Es este ejemplo podemos ver como la vista nos engaña haciéndonos creer que realmente existe profundidad en la calzada creando un divertido juego óptico con el cual nos da ''cosa'' o vértigo el pisar esa parte de la acera gracia a la composición en escorzo. Otros ejemplos de esta sensación son los siguientes:

Otro tipo de composición que utilizan es como si la propia obra cobrase vida y se abriese paso emergiendo del propio asfalto abriéndose un agujero en el suelo, incluso añadiendo figuras o personajes de ficción para hacer al espectador tomar parte en la obra asustándose o asombrándose. Los temas en la pintura pueden ser tanto reales como fantásticos pero siempre teniendo en cuenta esa profundidad en perspectiva que le da la gracia a las obras.

Pero este arte no solo utiliza como lienzo los pavimentos además para mayor impresión para los espectadores además utiliza las fachadas de edificios.

O interiores…

En definitiva las obras tienen como objetivo engañar la vista del observador para que crea que la realidad que está viendo es real con un juego de perspectivas, engañar hasta tal punto que pise o acerque la mano para asegurarse de si realmente hay profundidad o no. Con esto vemos como el arte puede transmitirnos fuertes emociones como sería el vértigo.

Dredkas