P·U·L·S·E

P·U·L·S·E

Para esta entrada acerca de la publicidad, he escogido esta carátula del décimo álbum de Pink Floyd llamado PULSE.
En primer lugar la he escogido porque Pink Floyd es uno de mis cantantes favoritos, pero además, no  cabe duda de que sus albums son verdaderas obras de arte, joyas únicas que no refieren a la música solo si no a todo un concepto: el de cada disco.
Escogí este disco puesto que seguramente sea el que más me conmueva al observarlo, es de ese tipo de imágenes que no te basta con mirarlo una vez, si no que en cada esquina de la imagen hay detalles que merecen la pena observar. Igual estoy equivocada, pero ahora que he estudiado a grandes pintores, me recuerda un poco al Bosco o a Dalí, con ese afán por representar mundos imaginarios.
en palabras de thorgueson, el diseñador de los albums de Pink Floyd :

"Pienso que vino de dos particulares razones, una de ellas fue que era un álbum en vivo. Busqué que el empaque esté vivo, entonces hicimos una lista de cosas que incluía bolas y laberintos. Teníamos algo para que hiciera ruido cuando se abra, algo que rechine, que se huela, otros que se pueda ver en la oscuridad".Hay dos formas de verlo: puede ser visto como un disco que te 'hablará' durante mucho tiempo, o simplemente es el tipo de disco que nunca tendrás problema para encontrar en la oscuridad. Por otro lado, la edición de colección del álbum en vivo P.U.L.S.E. es considerada como una buena combinación entre el desafío a la ingeniería y el atractivo para el consumidor, ya que en su costado incluye un pequeño led centelleante que falsea con la ayuda de dos baterías que pueden ser reemplazadas fácilmente. Se barajaron cinco rutas diferentes para la portada de "Pulse" y al final se eligió la imagen del ojo, que representa un ciclo, el ciclo de la vida puede ser"

EL TEATRO, EL ARTE EN SU FORMA MÁS OLVIDADA

EL TEATRO, EL ARTE EN SU FORMA MAS OLVIDADA

 Os presento la escenografía de la obra de teatro de Shakespeare llamada " Hamlet". si, así de simple fue todo, así de efímero.
He escogido esta fotografía tomada por mi durante un ensayo de la obra que representé el año pasado con mi escuela de teatro porque sin duda, el teatro forma una parte de mi tan imprescindible como el aire.
 También la he escogido para aprovechar la ocasión de denunciar el crimen que se está cometiendo hoy en día contra el teatro y el cine en nuestro país, con unos precios tan elevados,acarreando unos impuestos elevadísimos para lo que representan en la educación y con tan pocas subvenciones, como pretenden que el pueblo español pueda interesarse por ir al cine o a las salas de teatro? luego para ver un partido de fútbol lo tienes tan sencillo como encender la televisión a cualquier hora del día. En fin, ojalá algún día abran esos ojos hundidos en el capitalismo, pero ahora no hemos de andarnos por las ramas...como decía, el teatro tiene una magia que envuelve, y creo que cuando hice esta foto pude captar esa esencia, fue un momento en el que estaban probando las luces, y la imagen del teatro vacía, con esa luz de contra y esa bandera danesa tan imponente, hizo que todavía al verla se me erice la piel. Creo que una de las sensaciones más bonitas en la vida es cuando te das cuenta de que sientes verdadera pasión por algo, le deseo a todo el mundo que alguna vez en su vida le ocurra, como me ocurrió a mi.

L'islandès que es va enamorar de Catalunya

Paraules d'amor-Words of love. Halldor Mar

Halldor Mar va naixer a Islandia. Des de xicotet va voler ser músic. Quan li va tocar escogir instrument, ell va preferir la guitarra. Aquesta el·lecció va fer que al 1986 haguera de trasladar-se a Barcelona a perfeccionar la seva tècnica amb aquest instrument, i ja no es va moure. Ha aconseguit un gran nivell que li ha portat a colaborar amb grans mestres i també a fer els seus propis discos, però estic fent l'article pel seu últim àlbum: Winds.
Winds es un disc en el qual es versionen deu clàssics de la anomenada Nova Cançò, però traduïts a l'anglès, i amb un marcat ritme pop. Al disc podem trobar temes com Al vent de Raimon (Wind); Qualsevol nit pot sortir el sol, de Jaume Sisa  (The sun will rise); Noia de Porcelana de Pau Riba (Porcelain Girl) o la meua preferida, Paraules d'amor de Serrat (Words of Love).
Jo ho recomane. Un petit homenatge a les llengues cooficials i al prulilingüisme. Espero no haver destrossat molt el nostre altre idioma. Per la meua part, res més a diure. Us deixe una entrevista, sense cap dubte, el seu català-valencià es molt millor que el meu.

Entrevista a Halldor Mar

Como sé que en clase hay mucha gente de fuera de Valencia, dejo la traducción:

"Halldor Mar nació en Islandia. Desde pequeño quiso ser músico. Cuando le tocó escoger instrumento, él prefirió la guitarra. Esta elección hizo que en 1986 tuviera que trasladarse a Barcelona a perfeccionar su técnica con este instrumento, y ya no se movió. Ha conseguido un gran nivel que le ha llevado a colaborar con grandes maestros y también a hacer sus propios discos, pero estoy haciendo el artículo por su último álbum: Winds.
Winds es un disco en el que se versionan diez clásicos de la llamada Nova Cançò, pero traducidos al inglés, y con un marcado ritmo pop. En el disco podemos encontrar temas como Al vent de Raimon (Wind); Qualsevol nit pot sortir el sol, de Jaume Sisa  (The sun will rise); Noia de Porcelana de Pau Riba (Porcelain Girl) o mi preferida, Paraules d'amor de Serrat (Words of Love).
Yo lo recomiendo. Un pequeño homenaje a las lenguas cooficiales y al prulilingüismo. Espero no haber destrozado mucho nuestro otro idioma. Por mi parte, nada más que decir. Os dejo una entrevista, sin lugar a dudas, su catalán-valenciano es mucho mejor que el mío."

También os dejo la canción original de Serrat, para que la disfrutéis:

Paraules d'amor-Serrat. Con subtítulos en castellano.


lookingforMacondo

Una sensación de libertad absoluta (foto propia)

Esta foto fue tomada por mi madre cuando fuimos de vacaciones a Costa Rica. La acción como se puede ver trata de un desplazamiento sujeto a un cable de acero, esta actividad se llama canopy. Fue una experiencia inolvidable ya que se trataba de deslizarse por el cable colgando a más de 200 metros de altura. La sensación de libertad que daba el sobrevolar la selva de costa rica a esa altura fue una emoción irremplazable.

 Mientras estaba ahí arriba no cerré ni un momento los ojos, pues no quería perderme ningún momento del recorrido. Un inconveniente que tuvo el trayecto es que se puso a llover y el viento azotaba más fuerte que al comienzo. Esto hacia que el cable se tambalease y me preocupa durante un rato, pero de una manera increíble deja de llover durante el otro tramo con lo que noté lo largo que era el cable pero sin embargo lo rápido que se cruzaba.

Como podemos ver en la foto esta actividad se encuentra entre montañas en plena selva costarricense por lo que nunca se podía ver realmente el final ya que se metía entre las plantas y árboles del lugar y desparecía. Esto daba una sensación de que te ibas a chocar cuando llegabas al final, pero era entonces cuando te frenaban.

La foto fue tomada cuando llegué a la segunda plataforma, y se puede observar mi cara con la expresión de gran felicidad. Elegí esta foto por la experiencia tan buena que me hizo pasar y porque me parece una estampa espectacular el estar ‘’volando’’ entre los arboles con el vacío detrás de mí.

Me dijeron que volviese en dos años porque abrirían un nuevo cable de 3 km de largo y 300 m de altura. Una experiencia que recomiendo y que volveré para vivirlo por mí mismo.

Dredkas

De Rubens a Van Dyck (exposición mubag Alicante)

La semana pasada visité una exposición sobre obras de los autores holandeses de la escuela flamenca en el Mubag de Alicante. La exposición se titulaba de Rubens a Van Dyck, y es una colección de obras de arte que pertenecía a Gerstenmaier.

                                                              

La exposición se distribuía en tres salas, la primera había expuestas obras hechas con la técnica de grabado. Eran varios retratos de persona de aquella época y además había una serie de obra sobre mitología y alegorías realizadas por el artista Hendrick Goltzius. La siguiente sala contigua a la siguiente encontrábamos ya cuadros más del tema religioso donde aparecían repetidas veces la virgen con el niño y la crucifixión de cristo, como por ejemplo la obra de Adrien Thomas Keys- Calvario. Había otro cuadro por ejemplo que ilustraba la imagen de los tres reyes magos obsequiando al niño Jesús con sus regalos.

En la última sala pero más extensa y que las otras se exponían obra más de género paisaje, naturaleza muerta y alegoría. En esta sala en sus extremos se situaban en cada uno un cuadro de gran formato con dimensiones como por ejemplo la obra de Adrian Gryef , paraíso terrenal de 270cm x 190 cm.

En la parte oeste de la sala se reunían todo lo que eran cuadro de género de bodegón y pequeños tondos de la virgen hechos con una gran minuciosidad que sorprendía al observarla de cerca. Mientras en la zona este se agrupaban las primeras obras que de la historia que comenzaban a poner en vigor el paisaje frente a la escena que se representaba.

Esta exposición me atrajo desde un principio por la minuciosidad y realismo con la que teóricamente sabía que trabajaban los artistas de esta escuela, además de ver con mis propios ojos el efecto del óleo en las texturas. Y realmente fue una gran experiencia el observar detenidamente cada uno de los detalles que aquellas grandes obras escondían. La obra que más me llamó la atención fue la obra de Gaspar Verbruggen, jarrón de jardín con flores.

Pues aun siendo un simple bodegón, el color, la textura que daba el óleo, y la minuciosidad de la pincelada y con ayuda del escorzo le daba un increíble efecto de profundidad y volumen que invitaba a palpar el lienzo.  En la pincelada se podía percibir la suavidad de los pétalos de las flores e incluso las gotas de aguas parecía dejadas caer sobre el cuadro de verdad. Además el característico claro-oscuro de estos pintores le daba un dramatismo impresionante.

Para mi gusto la exposición era pequeña pero sin embargo, debido a la cantidad de detalles que tenían los cuadros hacían que gastases mucho tiempo observándolos, por lo que no se hizo pesada ni monótona ya que la progresión de la exposición iba cambiando los géneros. Fue una exposición interesante para visitar pero sin embargo no de mis preferidas.

Dredkas 

La Niebla

Julio de 2012,  Golden Gate,  San Francisco.

San Francisco me pareció una ciudad muy peculiar. Durante los días que estuve, en verano, me llamó la atención una serie de cosas, pero la que más, el tiempo. Fue algo chocante, como amanecía todo nublado y con bajas temperaturas pero en un par de horas te encontrabas ante un sol radiante y una temperatura de 25 grados. Pero lo más llamativo de todo fue sin duda la niebla. 

Ese día amaneció frío y nublado pero en vez de despejarse, a las 11 de la mañana, una niebla densa comenzó a descender de una de las colinas de la ciudad. Fue un espectáculo asombroso e inquietante a la vez, viendo como la niebla iba engullendo lenta pero constante todo a su paso, hasta llegar al Golden Gate, donde me encontraba.

Esta foto la tomé desde el Golden State Park, antes de cruzar el puente. Recuerdo comenzar a cruzar el puente y ver como compañeros que iban más adelantados desaparecían en la niebla, hasta llegar un punto en el que ni yo mismo sabía a qué altura del puente estaba.

Fue inevitable que me viniera a la cabeza la película de La niebla, de Frank Darabont, una adaptación de la novela de Stephen King, ya que la escena que estaba presenciando parecía sacada de esa película, para mi mayor “tranquilidad”. Se trata de una película de terror e intriga que no disfruté viendo, ya que no soy dado a ese género de cine, por lo que el espectáculo que estaba teniendo lugar ante mis ojos me causaba sensaciones contradictorias. Por un lado, me parecía algo muy bello, pero al mismo tiempo, me causaba escalofríos al recordar la película.

¿Por qué esta foto y no otra? Porque me resulta atractiva, a la vez que inquietante. Da la sensación que la niebla se traga todo a su paso, coches, peatones, casas, todo. Esta sensación se refuerza al ver como el puente, de unas dimensiones colosales va desapareciendo poco a poco. Esta percepción de la belleza me recuerda al modo que tienen autores como Turner de buscar la belleza, a través de lo "sublime" como planteamiento estético.

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"Wish you were here"

Pink Floyd, una de las mejores bandas de la historia del rock, y más influyente, realizó hasta 15 álbumes de estudio. La banda además, era muy conocida por las portadas de sus discos, y en una época en la que los medios de propagación no eran tan efectivos y rápidos como lo son ahora, las carátulas de éstos eran el mejor medio para expresar los sentimientos y las opiniones que tenían. Tal vez el mejor de ellos, junto a "The Dark Side of the Moon", sea "Wish you were here".

Para situarnos, el disco salió a la venta en 1975, en el pico más alto de popularidad de la banda, y como no podía ser de otra manera, tanto las canciones como la carátula debían de estar a la altura... y lo estuvieron, ya que el diseño terminó por hacer historia. Por otra parte, cabe destacar que toda fama y popularidad, lleva consigo la ausencia hacia lo genuino y, en cierto punto hacia el compromiso.

En esta impactante portada, en la que vemos a dos hombres de negocios estrechándose la mano, observamos como uno de ellos está envuelto en llamas. Interpretaciones diversas han habido, ya que la ausencia de seres queridos y de lugares conocidos vienen ligados a la fama que por aquel entonces pasaba Pink Floyd. Esta sería la justificación "oficial", mientras que lo que a mí me transmite la imagen, es completamente distinto.

Bajo mi punto de vista, la carátula es un claro reflejo de lo que son los negocios en la realidad: mera formalidad, en los que el único objetivo es sacar beneficio a costa del otro. El hombre que no se está quemando, el de la izquierda, vemos como estrecha fuertemente la mano al de la derecha. Transmite una cordialidad y una tranquilidad que es completamente imposible en una situación así. Por último, la imagen es un claro retrato del grado egocentrismo al que pueden llegar las personas, pensando única y exclusivamente en el beneficio propio.

Sigamos reflexionando.

Mr Fahrenheit.